• chrom.o.som “chromosom” Original Mix 1997
• chrom.o.som “chromosom” Mix 2007
• chrom.o.som “chromosom” Mix 2017
• chrom.o.som “chromosom” Mix 2025

Das Orgelriff stammt von einem EMU Vintyge Keys plus. Die späteren Remakes verwendeten hierfür einen Native Instruments B4 Sound, der dem Original sehr ähnlich klingt. Das Schlagzeug wurde mit einer Novation Drum Station erzeugt. Zusätzliche Sounds kamen von einem Roland JP8000. Aufgenommen wurde mit Cakewalk 3 auf einem günstigen PC mit Opcode 4 Midi Interface.

chromosom ist ein typischer Clubsong. Erstmals vorgestellt wurde der Song Ende 1997 in der  Radiosendung „Housequake“ üer Techno und House Musik. Kürzlich kam die Entscheidung von den Urhebern alle fünf Versionen noch einmal zu veröffentlichen.

Neben vielen anderen Tracks aus dem Bereich Techno House, entstand auch der Track „Akyarlar“ aus dem Jahr 2007, der jetzt in neu gemasterter Version nochmal veröffentlicht wird. Der Track ist gut tanzbar aber auch sehr markant im Sound und sehr spährisch.

Weil der Track so gut ist, haben wir in längeren Abständen immer wieder neue Versionen produziert.

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Das Projekt verfolgt einen wissenschaftlichen Aspekt. Das Team von Experten hat sich die Frage gestellt, was wäre passiert, wenn einige der Synthesizer Pioniere aus den 70er Jahren in der damaligen DDR geboren wären, wo es im Grunde nur Vermona Technik gab.

Diese Ansatz ließ mehrere Experten Gremien aufhorchen und es wurde Interesse an den Ergebnissen bekundet. Nach vielen Gesprächen in bedeutenden Kultureinrichtungen wurde ein Plan entwickelt, wie man dieses Projekt unterstützen kann.

Auf Grund seiner besonderen kulturellen Bedeutung wird dieses Projekt über die Basisförderung hinaus unterstützt. Die Referenzkommision hat beim Kompetenzbeirat einen entsprechenden Antrag auf  erweitere und besondere Förderung gestellt. Die Bewilligung ist nur noch Formsache.

Ein aktuelles Musikprojekt wagt eine klangliche Zeitreise und versucht, die Musik des fiktiven Künstlers „SIGNALGEBER“ zu rekonstruieren. Im Zentrum dieser ambitionierten Unternehmung steht ein umfangreiches Setup aus alten Vermona-Synthesizern, den ikonischen Instrumenten der ehemaligen DDR. Doch dieses Projekt ist mehr als nur eine musikalische Hommage; es verfolgt einen dezidiert wissenschaftlichen Ansatz.

Das Expertenteam hinter „SIGNALGEBER“ stellt sich eine faszinierende Frage: Was wäre geschehen, wenn einige der Synthesizer-Pioniere der 70er Jahre in der DDR geboren wären, einem Land, in dem die Klanglandschaft maßgeblich von der Vermona-Technik geprägt war? Dieser alternative Geschichtsverlauf, in dem die kreativen Möglichkeiten und Einschränkungen der DDR-Technologie im Mittelpunkt stehen, hat bereits das Interesse mehrerer Expertengremien geweckt.

Die Rekonstruktion eines imaginären Klangkosmos

Die Rekonstruktion der elektronischen Musik, wie sie in der DDR hätte entstehen können, ist eine komplexe Aufgabe. Sie erfordert nicht nur ein tiefes Verständnis der Vermona-Geräte, sondern auch ein Gespür für die damalige Zeit. Das Projektteam analysiert historische Aufnahmen, technische Dokumentationen und Zeitzeugenberichte, um die Arbeitsweisen und Klangästhetik der damaligen Zeit zu rekonstruieren.

Arbeitsweisen mit DDR-Technologie

Die Arbeit mit den Vermona-Geräten ist geprägt von den spezifischen Eigenschaften dieser Instrumente. Ihre analogen Schaltkreise, die oft unvorhersehbaren Modulationen und die begrenzten Möglichkeiten der Klangerzeugung erfordern ein hohes Maß an Kreativität und Improvisation. Das Projektteam versucht, die „Fehler“ und Eigenheiten der Geräte als künstlerische Elemente zu nutzen und so einen authentischen Klang zu erzeugen.

Der Einfluss sowjetischer Analog-Synthesizer

Neben den Vermona-Geräten fließen auch sowjetische Analog-Synthesizer in die Rekonstruktion ein. Diese Instrumente, die oft in der DDR zu finden waren, erweitern die Klangpalette und ermöglichen interessante Vergleiche mit westlichen Synthesizern.

Vergleiche mit westlichen Künstlern

Obwohl die DDR-Musiker in ihrer technologischen Ausstattung eingeschränkt waren, gab es auch im Westen Künstler, die mit ähnlichen analogen Synthesizern experimentierten. Das „SIGNALGEBER“-Projekt zieht Vergleiche mit Künstlern wie Kraftwerk, Tangerine Dream oder Jean-Michel Jarre, um die Gemeinsamkeiten und Unterschiede der Klangästhetik zu untersuchen.

Unterstützung durch Kultureinrichtungen

Die Bedeutung dieses Projekts für die kulturelle Aufarbeitung der DDR-Geschichte wurde auch von bedeutenden Kultureinrichtungen erkannt. Nach zahlreichen Gesprächen wurde ein Plan entwickelt, um „SIGNALGEBER“ zu unterstützen. Aufgrund seiner besonderen kulturellen Bedeutung wird das Projekt über die Basisförderung hinaus gefördert. Die Referenzkommission hat beim Kompetenzbeirat einen entsprechenden Antrag auf erweiterte und besondere Förderung gestellt. Die Bewilligung ist nur noch Formsache.

Das „SIGNALGEBER“-Projekt ist somit nicht nur ein musikalisches Experiment, sondern auch ein wichtiger Beitrag zur Erforschung der Klanglandschaft der DDR. Es zeigt, wie aus den begrenzten Möglichkeiten einer Zeit kreative Lösungen und einzigartige Klänge entstehen können.

Experts are certain: This is the most important space documentary of the year. Scientists recently made sensational discoveries. In the depths of the universe, it appears we are not alone. Using state-of-the-art technology, scientists have pinpointed a “super-planet.” What makes this super-planet so remarkable is its size. As far as observations have currently determined, the planet possesses an atmosphere. Numerous water deposits have also been detected—the fundamental building block of life. The super-planet bears the name Dölagalöd. Its sheer size is truly impressive; compared to our home planet, Earth, Dölagalöd is nearly 20 times larger. By comparison, even the largest planet in our solar system—Jupiter—looks almost small. This super-planet is accompanied by numerous satellites; to date, 211 moons have been counted. The largest moon of Dölagalöd discovered so far is nearly twice the size of our home planet, Earth.

“The Journey to the Superplanet Dölagalöd” is one of the most significant space missions ever undertaken. The spacecraft travels at extreme speeds, powered by a specialized propulsion system. From Dölagalöd, a tractor beam is deployed to accelerate the spacecraft to multi-light speeds.

This entirely technical and remotely controlled mission was comprehensively recorded. The individual stages of the journey were time-compressed and chronologically reconstructed; accompanying music was subsequently composed—resulting in a complete album. These musical pieces reflect the distinct character of each specific stage.

This mission ranks among the most critical projects in the entire cosmos. Following a period of extensive and intensive preparation—including the construction of the spacecraft—the arduous and lengthy journey was finally able to commence. All those involved gave their utmost to ensure the mission would be a resounding success.

Ihre Musik zeichnet sich durch folgende Merkmale aus:

• Synthesizer-lastige Klänge: Die Verwendung von Synthesizern ist ein zentrales Element in Vendredi sur Mers Musik. Sie kreiert damit atmosphärische und eingängige Melodien, die im Ohr bleiben.
• Französische Sprache: Vendredi sur Mer singt in ihrer Muttersprache Französisch, was ihrer Musik eine gewisse Authentizität und Emotionalität verleiht.
• Introspektive Texte: Die Texte von Vendredi sur Mer handeln oft von persönlichen Erfahrungen, Gefühlen und Beziehungen. Sie sind poetisch und ausdrucksstark und berühren die Zuhörer auf einer tiefen Ebene.
• Vergleich mit anderen Künstlern: Vendredi sur Mers Musik wird oft mit Künstlern wie Cœur de Pirate, Angèle und Barbara Pravi verglichen.

Bekannte Alben:

• Premiers émois (2019): Dieses Debütalbum enthält einige ihrer beliebtesten Songs wie “La Femme à la Peau Bleu”, “Larme à Gauche” und “Chewing-Gum”.
• ONIRIQUE (2022): Das zweite Album von Vendredi sur Mer setzt ihren charakteristischen Sound fort und zeigt gleichzeitig eine musikalische Weiterentwicklung.

Beliebte Songs:

• Le Lac
• Comment tu vas finir
• Désabusée (ft. Sam Tiba)
• S’il est
• J’aimerais

Vendredi sur Mer hat sich mit ihrer einzigartigen Musik und ihrem authentischen Auftreten zu einer beliebten Künstlerin in der französischen und europäischen Musikszene entwickelt. Ihre Musik ist sowohl eingängig als auch tiefgründig und berührt Menschen jeden Alters.

What makes Ubuntu Studio so special?

• Pre-selected Software: Instead of spending hours searching for suitable software, Ubuntu Studio offers a carefully curated collection of professional, free, and open-source applications.
• Customizability: You can fully customize the environment to suit your needs. Whether you prefer a minimalist setup or want to use a variety of tools simultaneously, Ubuntu Studio provides the flexibility you need.
• Community: A large and active community is ready to support you with advice and assistance. You will find numerous tutorials, forums, and documentations to help you get started.
• Regular Updates: Ubuntu Studio is updated regularly to keep pace with the latest technologies and ensure security.

A Look at the Main Application Areas

Audio Production

• Ardour: A professional Digital Audio Workstation (DAW) for recording, editing, and mixing audio.
• Audacity: A versatile audio editor for recording, editing, and effects.
• Hydrogen: A drum machine for electronic music production.

Graphic Design

• GIMP: A powerful image editing program comparable to Photoshop.
• Inkscape: A vector graphics editor for creating logos, illustrations, and diagrams.
• Darktable: A raw image developer for photographers.

Video Editing

• Kdenlive: A non-linear video editor for professional results.
• OpenShot: A user-friendly video editor for beginners.

3D Modeling

• Blender: A versatile 3D creation tool for animation, rendering, and visual effects.

Why Ubuntu Studio Might Be Interesting for You

• Free of Charge: You save a lot of money since all applications are free.
• Open: The source code is publicly accessible, meaning you can customize and further develop the software.
• Stable: Ubuntu Studio is based on Ubuntu LTS, a long-term support version known for its stability.
• Future-proof: Since Ubuntu Studio is based on free technologies, you are not tied to a specific vendor.

Conclusion

Ubuntu Studio is an excellent choice for anyone looking for a flexible and powerful platform for their creative projects. Whether you produce music, design graphics, or edit videos – Ubuntu Studio provides you with all the tools you need.

What Are the Hardware Requirements for Ubuntu Studio?

The hardware requirements for Ubuntu Studio heavily depend on the tasks you want to accomplish. For simple tasks like image editing or music production with just a few tracks, moderate requirements are sufficient. However, if you want to create complex 3D animations or edit large video projects, you will need more powerful hardware.

Basic Requirements:

• Processor: A current-generation Intel Core i5 or AMD Ryzen 5 processor is recommended.
• RAM: At least 16 GB RAM, though 32 GB or more is better, especially for demanding tasks.
• Hard Drive: A fast SSD with sufficient storage space. For large projects, an additional hard drive for storing your files can be useful.
• Graphics Card: A dedicated graphics card is beneficial for 3D work or video editing. A mid-range NVIDIA GeForce GTX or AMD Radeon RX card is usually sufficient.

Additional Recommendations:

• Audio Interface: You will need an audio interface for recording audio.
• Monitors: Multiple monitors make work significantly easier, especially in video editing or graphic design.
• Input Devices: An ergonomic keyboard and mouse are essential for efficient work. A graphics tablet can be very useful for digital artists.

Why Are These Requirements So High?

• Multiple Applications Simultaneously: Ubuntu Studio allows you to use multiple applications at the same time. Each application requires a share of your system resources.
• Large Files: Audio, video, and image files can be very large. A fast hard drive and sufficient RAM significantly speed up editing.
• Complex Calculations: Effects, filters, and simulations in applications like Blender or Kdenlive require high processing power.

Where Can I Find Detailed Information?

You can find the official system requirements on the Ubuntu Studio website: https://ubuntustudio.org/download/

Ubuntu Studio is a powerful system, but it also requires correspondingly powerful hardware. The exact requirements depend on your individual needs. If you are unsure which hardware is right for you, feel free to reach out to the Ubuntu Studio community.

Forget expensive synthesizer presets. The most exciting sounds of our time are hiding in the garage, the hardware store, or the storage closet. In our latest sound experiment, we transformed everyday objects into complex resonant bodies to create a sample pack that sets new benchmarks in terms of texture and punch.

The Setup: Physics Over Software

Over the past few weeks, our studio looked more like a workshop. We worked with materials that usually serve as packaging or household helpers, but are completely underestimated acoustically:

• Plastic canisters and bottles: Our source for organic impacts and dry bass impulses.
• Carboard carpet tubes: Several-meter-long hollow bodies that act like natural low-pass filters.
• Vacuum cleaner hoses: The secret weapon of this project. The ribbing of the hoses generates unique overtone series when blown through or struck.

The Method: “Internal Recording”

The crucial trick in this experiment was the microphone placement. We positioned highly sensitive microphones directly inside the vacuum cleaner hoses and at the end of the long cardboard tubes.

Tubes and Canisters for Percussive Sounds

Because of this setup, the object itself acts as both a filter and an amplifier. When you create a sound at one end of the tube, the sound travels through the long body, refracts off the walls, and arrives at the microphone as a “fat drone” or a metallic, diffuse reverb. The result is a sound with enormous spatial depth, without having to add any artificial reverb.

From Noise to Instrument

In post-production, we divided the raw recordings into two categories:

• Industrial Percussion: By systematically tapping and striking the canisters, we created hard, percussive sounds. Using transient-heavy processing, we shaped them into kicks and snares that possess an unmistakable “plastic snap.”
• Cinematic Drones & Atmospheres: The recordings from inside the hoses and tubes provided us with massive, droning soundscapes. Through extreme time-stretching and pitch-shifting, simple wind noises inside the hoses became dark, cinematic pads.

The Sample Pack: Ready for Production

We have professionally processed all of this material. Each sample has been carefully cut, normalized, and cleaned of unwanted interfering frequencies—without losing the raw, honest character of the original source.

This pack is designed for producers who are tired of clinically clean sounds and want to give their tracks a physical presence. Whether it’s hard techno, experimental IDM, or atmospheric film music—these sounds really bite into the mix.

Available Now

The complete sample pack made from canisters, tubes, and hoses is available for download right now. Bring the resonance of the real world straight into your DAW.

Download page here

1. Das Material-Arsenal: Die Klangkörper

Die Wahl des Behälters bestimmt die Frequenz und den Charakter des Instruments:

• 3 L & 4 L Konserven (Blech): Diese fungieren als „Timbale“-Ersatz. Sie liefern helle, metallische Töne mit viel Attack. Ideal für Akzente und schnelle Rhythmus-Muster.
• 10 L Großkonserven: Durch das größere Volumen erzeugen sie einen tieferen, gong-ähnlichen Klang. Sie bilden das Mittelfeld des Drumsets.
• 10 L Kunststoffkanister: Sie sind die „Bass-Sektion“. Im Gegensatz zum spröden Blech schwingt Kunststoff weicher. Sie liefern den bauchigen, trockenen Kick, der an eine afrikanische Djembe oder eine Bassdrum erinnert.

2. Der Rahmenbau: Pragmatismus trifft Statik

Für das Gehäuse und die Halterung sind einfache Holzlatten aus dem Baumarkt ideal.

• Konstruktion: Ein stabiles A-Rahmen-Gestell oder ein einfaches Rechteck-Gitter ermöglicht es, die Behälter in verschiedenen Winkeln aufzuhängen oder zu verschrauben.
• Entkopplung: Es ist wichtig, die Blechdosen nicht starr auf das Holz zu schrauben, da sonst die Schwingung gedämpft wird. Eine Aufhängung an Gummiseilen oder eine Befestigung mit Federn lässt das Material frei schwingen.

3. Klang-Design durch Dämpfung (Muffling)

Ein reiner Blecheimer kann unangenehm lange nachhallen („scheppern“). Hier kommt das Sound-Design ins Spiel:

• Yogamatten-Reste: Streifen aus alten Yogamatten oder Schaumstoff, die auf die Innenseite oder den Rand geklebt werden, nehmen die schrillen Obertöne weg.
• Innen-Dämmung: Ein loser Stoffrest im Inneren des 10-Liter-Kanisters verwandelt einen hohlen Knall in einen satten, fokussierten Beat.

4. Die Drumsticks: Individuelle Artikulation

Die Wahl des Schlägel-Kopfes entscheidet über den „Sound“ des Schlags:

• Der Weinkorken-Schlägel: Holzstäbe mit Korken-Enden sind der Geheimtipp. Der Korken ist fest genug für einen klaren Anschlag, aber weich genug, um das Blech nicht einzudellen. Er erzeugt einen warmen, perkussiven Ton.
• Stoff & Gummi: Umwickelt man die Enden mit Stoff, erhält man weiche „Mallets“ für atmosphärische Wirbel. Gummistücke sorgen für einen harten, industriellen „Clang“.

Die Philosophie dahinter: Wertschöpfung ohne Illusion

Dieses Projekt verkörpert die Rückkehr zum Handwerk, die wir im Manifest gefordert haben. Während der „arme Künstler“ am Bahnhof auf das Grundeinkommen wartet, baut sich der Praktiker aus dem Müll der Gastronomie ein Orchester.

• Geringe Investition: Holzlatten und Schrott kosten fast nichts.
• Großes Ergebnis: Ein authentisches, physisches Instrument, das nicht nur Krach macht, sondern eine Geschichte erzählt.

Es ist die Umkehrung der „Bordell-Logik“: Man kauft sich nicht den schnellen Rausch eines fertigen Produkts, sondern man erarbeitet sich den Klang. Das Ergebnis ist eine tiefere Verbindung zum Instrument und eine Musik, die keine PR braucht, weil ihre physische Präsenz für sich spricht.

Die Aufnahme: Raw Sound direkt vom Wegesrand

Alles begann mit einem Smartphone und einem zufälligen Moment am Wasser. Das laute, konstante Rauschen eines kleinen Wasserfalls bietet eine perfekte, flächendeckende Frequenzverteilung – ähnlich wie weißes oder rosa Rauschen, aber mit der unregelmäßigen, organischen Textur des Wassers. Diese Nuancen sind es, die später im Mix für die nötige „Lebendigkeit“ sorgen.

Die Laborphase: Das Zerlegen des Wassers

Zurück im Studio wurde die Rohaufnahme in ihre Einzelteile zerlegt. Das Ziel: Aus einem kontinuierlichen Fluss präzise, perkussive Einschläge zu formen.

1. Chipping & Transient Shaping: Wir haben winzige Fragmente (Grains) aus der Aufnahme geschnitten. Durch extrem kurze Hüllkurven (Envelopes) mit schnellem Attack und kurzem Decay entstehen aus dem Rauschen plötzlich Klick-Laute und „Snaps“.
2. Layering & Frequenz-Design: Eine Kick-Drum braucht Druck im Keller, eine Snare braucht Schärfe. Wir haben die Wasserfall-Samples gelagert:
   • Hi-Hats: Hierfür nutzten wir die obersten Frequenzen des Wassers, geschärft durch einen High-Pass-Filter.
   • Snares: Ein Mix aus dem Wasser-Rauschen und einem synthetischen Kern gibt der Snare eine unverkennbare „Airiness“.
   • Claps: Durch leicht versetztes Layering mehrerer Wasser-Transienten entstanden breite, organische Claps.
3. Die Effekt-Kette: Mit chirurgischen EQs wurden störende Resonanzen entfernt. Kompressoren verliehen den Klängen den nötigen „Punch“, während wir mit Sättigung (Saturation) die harmonische Wärme hinzufügten, die man bei reinen Naturaufnahmen oft vermisst.

Das Ergebnis: Das „Waterfall Percussion Pack“

Das Resultat dieser Transformation ist ein Sample-Pack, das das Beste aus beiden Welten vereint: Die Durchsetzungskraft moderner Studio-Drums und die ungebändigte Textur der Natur. Diese Sounds klingen nicht nach „Wasser“, sondern nach High-End-Design mit einem organischen Fußabdruck.

• Unique Textures: Keine zwei Tropfen schlagen gleich auf – das hört man in der Komplexität der Samples.
• Ready to Mix: Alle Sounds sind vorbearbeitet und sofort einsatzbereit für Techno, Ambient oder experimentellen Pop.

Jetzt exklusiv auf unserer Webseite

Wir glauben daran, dass die besten Sounds dort draußen warten, man muss sie nur pflücken. Unser komplettes „Waterfall Percussion Pack“ steht ab sofort auf unserer Webseite zum Download bereit. Hol dir ein Stück Natur in dein Rack und gib deinen Beats eine Textur, die kein Synthesizer nachbauen kann.

Infografik-Beschreibung: Vom Wasserfall zur Hi-Hat – Die EQ-Magie

Titel der Infografik: Naturschall formen: Wasserfall-Rauschen in knackige Hi-Hats verwandeln

Visueller Stil: Klare Linien, dunkler Hintergrund (symbolisiert den rohen Sound), helle, leuchtende Frequenzkurven und Icons. Jedes Bild sollte eine stilisierte Darstellung des jeweiligen Schritts sein.

SCHRITT 1: Die Quelle – Rohes Wasserfall-Rauschen

• Bild: Wellenförmige, ungeordnete Linien, die das breite Frequenzspektrum des Wasserfall-Rauschens darstellen. Vielleicht ein stilisiertes Smartphone-Icon oder ein Mikrofon.
• Text: „Starte mit deiner Rohaufnahme des Wasserfalls. Sie enthält das gesamte Frequenzspektrum, aber noch unformatiert.“
• Wellenform-Icon: Eine breite, volle Kurve im Frequenzbereich, die den gesamten Bereich abdeckt.

SCHRITT 2: High-Pass Filter – Bass raus, Höhen rein

• Bild: Eine Frequenzkurve, die am unteren Ende steil nach unten abfällt (roter X-Punkt bei ca. 800-1000 Hz). Ein stilisiertes EQ-Interface.
• Text: „Setze einen High-Pass-Filter (HPF) bei ca. 800 Hz bis 1 kHz. Alles darunter wird entfernt, um den ‚Matsch‘ zu beseitigen und den Fokus auf die brillanten Höhen zu legen.“
• Wellenform-Icon: Eine Kurve, die im Bassbereich flach ist und erst ab dem HPF-Punkt ansteigt.

SCHRITT 3: High-Shelf Filter – Die Höhen anheben

• Bild: Eine Frequenzkurve, die im oberen Bereich (ab ca. 8-10 kHz) sanft, aber deutlich ansteigt.
• Text: „Nutze einen High-Shelf-Filter (HSF) ab ca. 8-10 kHz, um die obersten Frequenzen anzuheben. Dies verleiht der Hi-Hat den nötigen Glanz und ‚Luft‘.“
• Wellenform-Icon: Die Kurve steigt im oberen Bereich noch stärker an.

SCHRITT 4: Peaks und Cuts – Definition und Schärfe

• Bild: Kleine, präzise Cuts (Absenkungen) und Boosts (Anhebungen) an spezifischen Frequenzen, dargestellt als Nadeln in der Kurve.
• Text: „Feinabstimmung: Suche nach resonanten Frequenzen (oft im Bereich von 3-5 kHz für ‚Clarity‘) und hebe diese leicht an. Gleichzeitig senke unangenehme, harsche Frequenzen (z.B. bei 6-7 kHz) ab.“
• Wellenform-Icon: Eine detailliertere Kurve mit kleinen Spitzen und Tälern in den Mitten und Höhen.

SCHRITT 5: Feintuning – Transient Shaping & Kompression (Optional)

• Bild: Ein Kompressor-Icon und eine Hüllkurve (Envelope) mit kurzem Attack/Decay.
• Text: „Um den ‚Knack‘ zu verstärken, nutze einen Transient Shaper oder einen Kompressor mit schnellem Attack und Release. Dies macht die Hi-Hat präziser und definierter.“
• Wellenform-Icon: Eine Kurve, die nun schärfer und perkussiver aussieht.

Endresultat: Eine stilistisch dargestellte Hi-Hat, die aus Wasser besteht.

• Text: „Aus dem Rauschen der Natur wird eine präzise, organische Hi-Hat – bereit für deinen nächsten Track!“
• Icon: Ein stilisiertes Hi-Hat-Becken, aus dem Wassertropfen spritzen.

1. Die Materialliste: Rohstoffe für den Rhythmus

Für ein Standard-Set (3 Blech-Toms, 1 Bass-Kanister) benötigen Sie:

• Klangkörper:
  • 3 leere Blech-Großkonserven (z.B. 3 L, 4 L und 10 L aus der Gastronomie).
  • 1 Kunststoffkanister (10 L, z.B. von destilliertem Wasser oder Speiseöl – gründlich gereinigt).
• Rahmenbau:
  • 3–4 gehobelte Rahmenhölzer (Fichte/Tanne, ca. 34 x 54 mm, je 2.000 mm lang).
  • 1 Packung Spanplattenschrauben (ca. 4,5 x 80 mm für den Rahmen).
  • Winkelverbinder aus Metall (optional zur Versteifung).
• Dämpfung & Sound-Design:
  • Reste einer alten Yogamatte oder Moosgummi.
  • Stoffreste oder Schaumstoff (für die Innen-Dämmung).
  • Starkes Gewebeklebeband (Panzertape).
• Sticks & Schlägel:
  • Rundhölzer (Buchenholz, ca. 12–15 mm Durchmesser).
  • Alte Weinkorken.

2. Konstruktion des Holzrahmens

Der Rahmen muss so stabil sein, dass er energetisches Spiel ohne Wackeln übersteht.

1. Die Basis (H-Form): Sägen Sie zwei Hölzer auf 80 cm (Füße) und ein Querholz auf 100 cm zu. Verschrauben Sie diese zu einem „H“, das flach auf dem Boden liegt. Dies garantiert Kippstabilität.
2. Die Vertikalen: Bringen Sie zwei 110 cm lange Pfosten senkrecht an der Querverstrebung an. Nutzen Sie hier zur Sicherheit Metallwinkel, da die Hebelwirkung beim Trommeln groß ist.
3. Die Instrumenten-Bar: Montieren Sie eine horizontale Latte zwischen die Pfosten in der für Sie idealen Spielhöhe (ca. 70–90 cm). Hier werden später die Blechdosen befestigt.

3. Montage der Instrumente

Die Blechdosen: Bohren Sie zwei kleine Löcher in den oberen Rand der Dosen. Führen Sie stabiles Draht- oder Gummiseil hindurch und hängen Sie die Dosen an die Instrumenten-Bar.

• Wichtig: Die Dosen sollten das Holz nicht direkt berühren, um das Schwingungsverhalten (Sustain) nicht abzuwürgen.

Der Bass-Kanister: Der 10 L Kanister kann entweder mit Spanngurten direkt am unteren Teil des Rahmens fixiert oder als „Standalone“-Kickdrum vor dem Rahmen platziert werden.

4. Das akustische Finetuning

Ein rohes Blechgehäuse hat oft klirrende Obertöne. So bändigen Sie den Sound:

• Rand-Dämpfung: Kleben Sie einen 2 cm breiten Streifen Yogamatte entlang des oberen inneren Randes der Blechdose. Dies simuliert den „Dämpfungsring“ eines echten Schlagzeugfells.
• Sweet Spot: Testen Sie mit dem Stick, wo die Dose am besten klingt. Markieren Sie diesen Punkt mit einem kleinen Stück Panzertape. Das Tape dämpft zusätzlich die Vibration und fokussiert den Anschlag.

5. Bau der Weinkorken-Sticks

1. Nehmen Sie die Rundhölzer und schleifen Sie die Enden leicht an.
2. Bohren Sie mittig ein kleines Loch (ca. 5 mm tief) in die Weinkorken (Durchmesser etwas kleiner als das Rundholz).
3. Geben Sie einen Tropfen Holzleim hinein und schlagen Sie den Korken vorsichtig auf das Stabende.
4. Pro-Tipp: Für einen noch weicheren Sound umwickeln Sie den Korken zusätzlich mit einem Rest Filz oder altem Sockenstoff und fixieren diesen mit einem Kabelbinder.

Vorteil für den Anwender

Dieses Schlagwerk ist ein lebendiges System. Es erlaubt ständige Modifikationen. Wenn eine Dose „durchgespielt“ ist oder Sie einen neuen Frequenzbereich benötigen, tauschen Sie die Komponente einfach aus. Sie haben hiermit ein Instrument erschaffen, das dem „energetischen Minusgeschäft“ der Konsumgesellschaft trotzt und Ihren Rhythmus auf das Fundament der Realität stellt.

Die Ästhetik des Nutzwerts

Während die Musikindustrie oft versucht, mit teurem Equipment mangelnde Ideen zu kaschieren, beweist das „Industrial-Upcycling-Kit“, dass der Geist des Künstlers schwerer wiegt als sein Budget. Die Basis bilden großformatige Konservendosen (3 L bis 10 L) und Kunststoffkanister, die normalerweise nach einmaligem Gebrauch im Schredder landen. In diesem Projekt werden sie zu Resonanzkörpern einer neuen, urbanen Rhythmik.

Der Aufbau: Statik trifft Schwingung

Das Fundament bildet ein Rahmen aus handelsüblichen Holzlatten. Hier zeigt sich der konstruktive Scharfsinn: Das Holz dient nicht nur als Halterung, sondern als statisches Skelett, das die verschiedenen Klangzonen ordnet.

• Die Blech-Sektion: 3- und 4-Liter-Dosen werden als High-Pitch-Instrumente positioniert. Ihr metallischer „Ring“ schneidet durch jeden Mix.
• Die Bass-Zentrale: 10-Liter-Kunststoffkanister übernehmen die Rolle der tiefen Frequenzen. Durch ihre Materialbeschaffenheit liefern sie einen trockenen, druckvollen Bass, der organisch und erdig wirkt.

Sound-Engineering mit Bordmitteln

Das wahre Geheimnis dieses Setups liegt jedoch im „Muffling“, der gezielten Dämpfung. Um das unkontrollierte Scheppern des Blechs in einen definierten Sound zu verwandeln, greifen die Macher zu Resten von Yogamatten oder Schaumstoff.

• Der Effekt: Ein am Rand aufgeklebtes Stück Gummimatte verkürzt die Schwingung und fokussiert den Ton.
• Die Variation: Durch das Befüllen der Kanister mit Stoffresten lässt sich der Sustain (das Ausklingen) punktgenau steuern – eine Flexibilität, die manch teures Markenschlagzeug vermissen lässt.

Das Werkzeug: Der Weinkorken-Stick

Sogar bei den Drumsticks setzt sich die Logik der Ressourcenschonung fort. Einfache Holzstäbe werden durch das Aufsetzen alter Weinkorken zu professionellen Schlägeln veredelt. Der Korken fungiert als idealer Absorber: Er schont das Material der Dosen und erzeugt einen warmen, fast hölzernen Anschlag, der den harten Industrie-Look klanglich perfekt ausbalanciert.

Rhythmus-Schule: Das Training auf zwei Ebenen

Um dieses Instrument zu beherrschen, empfiehlt sich ein Training, das die unterschiedlichen Materialeigenschaften nutzt:

1. Die Call-and-Response-Übung: Nutzen Sie die 3 L Blechdose für den „Call“ (hell, laut) und antworten Sie auf dem 10 L Kunststoffkanister (tief, sanft). Dies schult das Gehör für Frequenzkontraste.
2. Die Dämpfungs-Etüde: Experimentieren Sie mit der Schlaghand. Ein Schlag in die Mitte der Dose klingt offen; ein Schlag, bei dem der Stick kurz auf dem Blech liegen bleibt (Dead Stroke), erzeugt einen kurzen, trockenen Funk-Sound.
3. Unabhängigkeits-Training: Da die Abstände im Eigenbau-Rahmen individuell angepasst sind, trainiert das Spiel auf diesem Set die räumliche Koordination besser als jedes standardisierte Kit.

Das energetische Plusgeschäft

Dieses Projekt ist mehr als nur Bastelarbeit; es ist ein Statement. Es beweist unsere These vom „energetischen Plusgeschäft“: Mit minimalem finanziellem Einsatz und dem Einsatz von Logik und Kreativität wird ein Objekt geschaffen, das einen bleibenden kulturellen Wert besitzt.

Während die „Lüge der glatten Produktion“ (wie wir sie in Kapitel 2 analysierten) viel Energie verbraucht, um Schwächen zu verbergen, stellt dieses Drumset seine Narben und seine Herkunft offen zur Schau. Es ist ehrlich, es ist laut – und es ist die logische Konsequenz für jeden Musiker, der den Boden der Tatsachen unter den Füßen spüren will.